Entrevista con Doblecapa: «Nuestra música no tiene grandes artificios, buscábamos algo directo y sincero»

«La idea de tocar con una Cigarbox es hacer música a partir de un instrumento distinto y sacarlo completamente de contexto en cuanto a sonido y ejecución» (Mario, Doblecapa)

Como reza el titular de esta entrevista, la música de Doblecapa no tiene grandes artificios y solo busca ser directa y sincera. Nos lo dice Mario, guitarrista del dúo musical que completa Arianne a la batería, y podemos afirmar que sin duda lo han logrado con «La Felpa». Su segundo trabajo discográfico, grabado en los estudios Electrical Audio de Chicago y producido por Steve Albini es un ejercicio de crudeza casi existencial. Desde el blues más primitivo al rock más matemático sus canciones nos agitan irremediablemente. Para profundizar un poco más en ello, o descubrirlos si todavía no lo has hecho, os dejamos nuestra entrevista con el grupo.

En 2017 publicáis vuestro primer disco, “Suave con la Canoa”, y poco más de un año después llega “La Felpa”, grabado en los estudios de Steve Albini en Chicago. ¿Va todo tan rápido dentro del grupo como parece desde fuera? 

Bueno, en realidad no. Sacamos el primer disco cuando ya llevaba grabado más de un año y cuando salimos a presentarlo ya medio repertorio era del segundo disco. Ahora creo que ya nos hemos cuadrado en el tiempo y estamos presentando lo que toca. Aun así, en cuatro años hacer dos discos, varias giras y unos cien bolos no está nada mal.

Seguramente no haya mejor manera de definir vuestro sonido que mencionar, como hace la nota de prensa del disco, el blues clásico y a los Melvins. En “La Felpa”, además, me da la sensación de que habéis estirado los extremos, sonáis muy blueseros y a la vez más enrevesados y contundentes. ¿Cómo os sentís respecto a las canciones anteriores? 

«Suave con la Canoa” se gestó en los primeros meses de vida de la banda y surgió muy natural, como suelen ser los inicios de los grupos, pero a día de hoy no tocamos nada en directo de esa época por muchas razones, tanto musicales como de logística; otro sonido, otra afinación, etc. Es verdad que en “La Felpa” han cambiado muchas cosas, sobre todo a la hora de componer, que prestamos atención a otro tipo de detalles, como la forma de tocar, con otras técnicas y afinaciones distintas. Es todo más elaborado pero creemos que seguimos manteniendo la misma esencia que tenía la banda cuando empezamos.

También creo que, sin ser tal vez una música para todos los públicos, el disco tiene temas con los que es imposible no echarte a bailar. Canciones como “En el Delta del Río Guatén” o “Mass Mierder” invitan a moverse. ¿Cómo las recibe el público en directo?

La gente responde de manera muy positiva en los conciertos, a veces no saben por donde cogerlo pero siempre hay algo que les llama la atención. Tanto como bailar no sabemos, pero sí creemos que hay un punto que le llega a todo el mundo.

Siguiendo con el directo, habéis tocado en festivales tan dispares e importantes como el Primavera Sound, el Mad Cool o el ArcTangent de Bristol. ¿A qué propuesta os sentís más afines? ¿En alguno de estos u otros os habéis sentido un tanto descolocados?

Para una banda como nosotros tocar en un festival grande ya es estar descolocados, digamos que no es nuestro hábitat natural. Aún así, cada vez estamos más a gusto en escenarios grandes y sabemos sacarle más partido a la situación. En Primavera Sound la experiencia fue muy buena, en Mad Cool un poco más extraña, por las características del festival, y sin duda ha sido en ArcTanGent donde el público mejor nos recibió.

Como decíamos, vuestro sonido tiene mucho del blues clásico. En la actualidad la fusión de géneros es algo habitual pero en terrenos como el flamenco nos encontramos con esa controversia de la apropiación cultural o de si fusionarlo con otros estilos es en parte pervertir su sonido. ¿Hay algún tipo de purismo en este sentido también con el blues? 

No sabría decirte. El blues ya sufrió una gran evolución cuando pasó del ámbito rural a las grandes ciudades, como Chicago, o al cruzar el charco a Reino Unido. Las bandas de la época cogieron ese estilo y lo hicieron suyo creando algo que a día de hoy vemos como clásico. ¿Se apropiaron los blancos hippies del alma de la música negra? A lo mejor lo que hoy llaman apropiación cultural dentro de unos años lo llaman evolución y la evolución implica dejar algunos aspectos atrás e incluir otros nuevos.

Una de vuestras particularidades es el hecho de tocar con una Cigarbox en lugar de con una guitarra convencional. Cuéntanos cómo llegasteis a ella y, sobre todo, qué aporta en cuanto a sonido respecto a una guitarra. 

Cuando acabó mi anterior proyecto me apetecía buscar algo nuevo pero a lo que pudiera sacarle partido sin tener que empezar a aprender de cero. En esa época ya estaba bastante metido en el blues y vi en el Cigarbox una posibilidad. Al principio no le hice demasiado caso pero fue cuando Arianne se sentó a la batería cuando empezó a tener sentido. A partir ahí encargué a un luthier que me fabricara una Cigarbox con mis especificaciones y hasta el día de hoy. La idea con esto era hacer música a partir de un instrumento distinto y sacarlo completamente de contexto en cuanto a sonido y ejecución.

Otra singularidad es el hecho de que toques utilizando una técnica como el fingerpicking, algo que yo hasta ahora había relacionado a artistas o sonidos más “tranquilos”, como pueden ser las canciones de Geoff Farina en solitario o de Isasa. ¿Conocéis algunos otros artistas más cercanos a vuestro sonido que utilicen esta técnica?

Como decíamos antes, la idea es descontextualizar el instrumento y hacer una música que se supone que no tendría que tocarse así. Es verdad que la técnica de fingerpicking se asocia más a estilos como el folk, el country o el blues y nosotros bebemos de eso pero también de muchas otras cosas, por eso fue un paso natural el tocar así pero usando otras reglas. La verdad es que no conocemos otras bandas que compartan eso con nosotros pero seguro que las hay.

En este disco habéis incorporado algunas voces en momentos puntuales. Puestos a fantasear, si en algún momento tuvierais que colaborar con algún cantante cercano ¿quién sería?

Si tuviéramos la oportunidad se lo propondríamos a David Yow de The Jesus Lizard, aunque tal vez no sea muy cercano.

Volviendo a la grabación, he leído que tuvo lugar en tan solo cuatro días. ¿Es una cuestión económica o más cercana al hecho de captar la crudeza del momento y no volverse loco con tomas y más tomas? La sensación es que es un disco con un muy buen sonido pero muy crudo, con todas sus imperfecciones y espontaneidades. 

Justamente es eso, si vas a grabar en directo con tu banda no necesitas estar quince días en el estudio. Nuestra música no tiene grandes artificios y buscábamos algo directo y sincero, entonces no tienes que hacer mucho más que montar los instrumentos, sacar sonido y empezar a grabar. Solo hicimos algún overdub de percusiones y voces que teníamos en mente y ya estábamos mezclando. La cuestión económica también es importante en estos casos pero la verdad es que no hubiéramos tardado mucho más en hacer lo que hicimos.

En los pequeños teaser que fuisteis colgando sobre la grabación se os veía disfrutar, bailar, reíros pero también discutir. ¿Cómo vivisteis estos cuatro días en lo humano? ¿Puede una grabación llevarte al límite?

Por supuesto que una grabación puede llevarte al limite, incluso solo siendo dos componentes, grabar en directo implica tomar decisiones rápidamente, si la toma es buena o hay que repetir y si hay que repetir qué supone volver a hacer el tema otra vez. Son muchas cosas que tienes que tener claras cuando entras a un estudio a trabajar de esa manera y nosotros aprendimos mucho en ese aspecto. Fue una experiencia increíble que repetiremos si tenemos la posibilidad.

El primer disco lo grabasteis en vuestros propios estudios. Una vez que decidisteis que este segundo no lo ibais a grabar allí ¿fue la opción de hacerlo con Albini la primera que hubo sobre la mesa?

Pues aunque parezca raro fue así, no barajamos ninguna posibilidad de hacerlo en otro sitio porque los dos teníamos clarísimo que queríamos ir a Chicago, al Electrical Audio, y grabar con Steve Albini, aunque no lo habíamos exteriorizado antes. Fue una decisión fácil de tomar porque ha sido una gran influencia para nosotros.

Compartisteis escenario en el Primavera Sound con Shellac y después les vimos lucir vuestra camiseta en su concierto de Madrid pero creo haber leído que cuando os conocisteis en Barcelona ya teníais cerradas las fechas de grabación en su estudio. ¿Fue una bonita coincidencia?

Es verdad que mucha gente piensa que lo de grabar con Steve surgió al compartir escenario en el Primavera Sound pero ya teníamos las fechas del estudio reservadas meses antes y fue justo eso, una bonita coincidencia de la cual disfrutamos un montón y nos hizo mucha ilusión.

Aunque a día de hoy en España tenemos grandes productores y muy buenos estudios parece que el hecho de salir a grabar fuera sigue siendo un valor añadido. ¿Qué creéis que os aportó grabar allí respecto a haberlo hecho en algún otro estudio de aquí? ¿Volveréis a grabar fuera?

Como ya decíamos antes, teníamos muy claro que queríamos ir a Electrical Audio a hacer este disco. Allí se han grabado discos que llevamos escuchando toda la vida y el tipo de sonido que consigue Steve Albini también nos ha marcado, por lo tanto pensamos que nuestra música podía encajar en ese tipo de producción. La cuestión no era si grabar fuera o aquí, era ir donde sabíamos que íbamos a conseguir lo que queríamos. Nuestra intención es poder volver a grabar allí.

La portada del disco me parece fascinante, una imagen realmente potente. ¿Qué podéis contarnos sobre ella?

El diseño del disco ha sido a cargo de nuestro amigo Rafael Jaramillo con la fotografía de Alberto Ros. Teníamos varias ideas desordenadas y ellos nos ayudaron a poner todo en contexto y darle un sentido. Para nosotros esa imagen significa muchas cosas, lo hicimos en un momento personal duro para nosotros y de alguna manera se ve reflejado aquí. Cosas que escapan al entendimiento, sensación de irrealidad, como si tu vida la vieras como una película.

Recientemente habéis girado por Reino Unido. ¿Ha sido fácil cerrar fechas allí? ¿Habíais tenido feedback positivo del disco en Inglaterra o decidisteis ir un poco a la aventura?

A raíz de nuestra confirmación en el ArcTantGent de Bristol con ayuda de nuestro sello Aloud Music pudimos cerrar una gira que nos ha llevado por varias ciudades de UK, y ha sido una muy buena experiencia. Es verdad que tocar en un festival así te da mucha visibilidad y nos ha venido bien para poder cerrar las otras fechas. La acogida del público ha sido realmente positiva así que no descartamos volver a girar por allí si el Brexit nos deja.

Fotografía: Arianne Picón